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©Margaux Salarino
I studied at Central Saint Martins Fashion. 1 Granary is really an education, a bridge between being a student and being a designer.
We didn’t know it had been created by a student.
Yes, sometimes people think we’re still a student magazine, but that’s just how it started.
Could you just tell us what your magazine stands for ? Because it’s a different way to talk about fashion and young designers.
I think what sets our magazine apart it’s that it was founded by somebody who wanted to be a fashion designer herself. As a matter of fact, she really set out to understand the industry. This is why she started and she said ‘‘ I am a young student but I really have no idea of how this industry works and how it functions ’’. I want to understand the meaning behind everything. What do buyers look for in the collection ? Why are some people selected for shows and why some aren’t? All these questions you ask yourself when you are students. Our first goal is to inform them not only about what’s going on but also what’s going on behind the scenes. What’s more, I think honesty and open-mindedness are very important. We’re not just very glamorous. We think it’s more about highlighting somebody covering a designer and how they did their first show on London Fashion Week. Then, we will show the studio and photograph the ashtray full of cigarettes and Diet Coke cans on the floor and of course it’s always about showing what’s behind the scenes and the reality and the beauty of the reality behind glamour.
It reminds me of the magazine Fairy Tail, founded by the graphic design studio Vier5. They made pictures in back-stages during the Paris Fashion Week, which interested them more than showing a conventional image of fashion.
Yeah, same idea!
What do you think about the uniformity of fashion magazines?
This is something we’ve been talking about for months. I think in the media we think there are so many erratic moods that everybody’s trying to reach everybody at the same time. And I think it’s also because it is the easiest way to get advertisers and increase the readership numbers, which is the most important thing. So, you need your audience to be as big as possible. And I think this is why we’re lucky with 1 Granary as we’re still a small unit and we still occupy this very particular position within the industry. We can survive without them, we are more into sponsorships and small creative collaborations.
We have this freedom to really stick to what our message is and who our audiences are. This is definitely something that frustrates me sometimes when every single magazine shows exactly the same people. When Cardy B comes out with her new album everybody is talking about her or stranger things. It’s almost impossible to find an underground scene among all these numerous magazines.
What does a young designer need to know to succeed in the industry? What is the difference between someone who starts to be famous after school and someone who doesn’t?
I thought about this a lot because I talked to Master and Bachelor classes before, and I wondered what I could tell them as a journalist. And even though I don’t like this advice, I think that it’s all about having good connections, being likeable and having people like you. Sometimes it is more important than the current work you produce. And I think I will answer it. It may be much more a criticism than an advice. But the people who make it are usually the people who can work their connections in a very smart way. And it’s not necessarily people who produce the best work.
But if you can use this as a sign or understand this it’s not necessarily a bad thing. Yeah! it’s frustrating…
But making connections shouldn’t necessarily be a negative thing. You can try to cultivate an interest in people around you outside your own universe and always trying to find interest in other people.
Sure! So you are part of the jury of the fashion show, what would be important for you during the selection of the winner of the prize, what will determine your criterions?
I think what’s really important is a coherence and a consistency between concepts and the visual. So, it’s almost as if when you see the collection you already know what the story is. When they explain their collection there is a perfect coherence. That doesn’t mean the story should be obvious at all but what I’m saying is that I think a good collection is like a universe on its own. I can imagine the movie, these people are playing and then as soon as you hear the story you say yes that’s it! the movie I was thinking of even if I couldn’t express the emotion I got.
Is there a young designer whose work you particularly like currently?
Yes, it’s Gabriele Skucas! She’s a young designer from Central Saint Martins who is specialized in crochet. She makes everything from scratch. It’s more manually intensive than knitwear because it really comes from one track: keeping making knots until you have a garment. It’s a laborious work, for her it’s a form of meditation and reflection. Her work is about the ugliness and the complexity that every person carries inside what you can never really touch. And she says that it’s very difficult to be human. All I want is her clothes to comfort and to soothe it. And I think her clothes are so pure that they express this perfectly.
J’enseigne à la HEAD la théorie en Master Design Mode depuis l’année dernière. J’ai fait mes études à Londres qui s’inscrivent dans ce qu’on appelle les Fashion Studies. Ce n’est pas uniquement l’histoire de la mode, c’est aussi sa théorie. Cette discipline s’est construite essentiellement en Angleterre, aux États-Unis et arrive petit à petit ici. L’approche est pluridisciplinaire, on utilise des textes qui ne sont pas forcément issus de la mode.
Quel texte étudiez-vous en ce moment ?
Le cours prochain on travaillera sur un texte de Richard Sennett qui s’appelle Les tyrannies de l’intimité. On articule des textes autour de la mode pour la penser en lien avec des enjeux contemporains comme notre rapport à l’espace public, à l’action politique ou à la crise environnementale. C’est aussi penser notre rapport à la société et la responsabilité que l’on a en tant que designer.
C’est une manière d’éviter une forme de gratuité dans ce que peut produire un étudiant ?
Oui, c’est-à-dire que la théorie et la pratique ne sont plus si distinguées. L’idée est de les aider à structurer un concept de collection et à la penser dans son contexte. Dernièrement j’ai regardé le dernier documentaire sur Yves Saint Laurent qui avait été très longtemps interdit par Pierre Berger. On voit un monde qui a complètement disparu d’une certaine manière. Pourtant le discours autour de la création en tant que sacrifice justifié par le fait que ce soit un métier de passion est pourtant greffé sur la jeune génération de designer.,Ce sacrifice se retrouve ensuite dans le rapport au travail dans la mode, notamment dans le fait de ne pas payer, ou très peu, de travailler toute la nuit… L’enjeu de ce cours est déjà d’être conscient de ces discours et de la manière dont la mode a été construite par ses grands moments et ses grandes lignes. Aussi, de pouvoir s’approprier cette histoire pour créer de nouvelles ouvertures.
À partir du moment où on a une emprise sur la manière dont on dit ce que l’on fait il y a la possibilité de créer de nouvelles voix. On arrive aujourd’hui à imaginer à faire la mode différemment, pendant très longtemps je crois que c’était assez coincé.
Quel rôle as-tu dans votre enseignement en binôme, Léa Peckre ?
Avant quand j’étais responsable du département mode, je suivais tous les étudiants de Bachelor jusqu’au Master. Maintenant j’enseigne uniquement pour les Master, je coordonne des projets où j’invite des créateurs pour les premières années et je suis quelques mémoires d’étudiants.
Quel est ton implication vis-à-vis des étudiants dans le développement de leur collection ?
Ce qu’on est en train de mettre en place avec Aude, c’est un enseignement très individuel et ça dès le Bachelor, même si ça reste plus cadré car il y a des connaissances techniques à acquérir. On pense au cas par cas, aux individus et non à une vision générale de la mode. En Master on affine encore plus ce propos, on ajuste notre enseignement, tout ça part de constats qu’on a fait avec Aude dernièrement.
C’était quoi vos observations suite à cette première année d’enseignement commune ?
On sort tout juste d’une réunion à ce sujet. On a une complémentarité parfaite avec Aude, je ne suis pas du tout intéressée par l’aspect mémoire, je suis plus dans la pratique et le professionnalisme. Il y a un écart énorme sur la théorie de mode, la recherche et la réalité. Mon côté pragmatique me fait me dire que toute la théorie peut être parfois à côté, rêvée. Partager le Master avec Aude c’est aussi profiter de son expertise. Pour elle la théorie, dans un domaine où la pratique et le faire est aussi important, ne doit pas être cloisonnée. La pratique, la réalité professionnelle et la théorie sont liées. On a décidé de mutualiser notre cours et d’avancer ensemble, même si on se sépare à un moment l’une aura nourri l’autre et inversement. Ça permet aux étudiants de ne pas avoir deux formes d’exercice totalement séparées. La difficulté pour eux dans une dissociation totale c’est de réussir à faire le lien entre les deux.
Est-ce que vous avez l’impression que l’école peut uniformiser une espèce de courant dominant au sein des étudiants ? Le fait d’avoir un suivi très individuel avec chaque élève c’est une façon d’éviter cette uniformisation ?
C’est quelque chose qui existe, mais c’est pour moi autant un danger qu’une force. Ça implique un ADN d’école, une patte, je pars du principe que les écoles doivent être complémentaires entre elles. Si on est assez malin dans ce sens-là on va justement apporter quelque chose que notre voisin ne fait pas. Il y a un style de l’Académie d’Anvers, un style de la Cambre, la Central Saint Martins je ne t’en parle même pas.
Le fait de travailler de façon aussi individuelle à la HEAD fait que le style est peut-être moins perceptible.
Quand tu travailles dans une maison dans le milieu de la mode, tu viens piocher dans une école précise en connaissance de cause. Il y a des besoins très variables d’une maison à une autre, donc c’est en ça que pour moi ce n’est pas forcément un danger. Après il faut faire attention, davantage dans la pédagogie, à ne pas uniformiser ce que font les étudiants car ils ne découvriront pas les différents métiers possibles.
On leur fait croire qu’ils vont tous devenir stylistes alors qu’en fait c’est pas le cas, et c’est pas plus mal il y a beaucoup d’autres métiers dans la mode tout aussi intéressants.
Je te rejoins au niveau pédagogique, la force de la HEAD c’est de pouvoir offrir un soutien individuel, ce qui leur permet de trouver leur propre méthodologie de travail. C’est quelque chose qui, je pense, nous distingue dans ce choix pédagogique.
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©Margaux Salarino
I studied at Central Saint Martins Fashion. 1 Granary is really an education, a bridge between being a student and being a designer.
We didn’t know it had been created by a student.
Yes, sometimes people think we’re still a student magazine, but that’s just how it started.
Could you just tell us what your magazine stands for ? Because it’s a different way to talk about fashion and young designers.
I think what sets our magazine apart it’s that it was founded by somebody who wanted to be a fashion designer herself. As a matter of fact, she really set out to understand the industry. This is why she started and she said ‘‘ I am a young student but I really have no idea of how this industry works and how it functions ’’. I want to understand the meaning behind everything. What do buyers look for in the collection ? Why are some people selected for shows and why some aren’t? All these questions you ask yourself when you are students. Our first goal is to inform them not only about what’s going on but also what’s going on behind the scenes. What’s more, I think honesty and open-mindedness are very important. We’re not just very glamorous. We think it’s more about highlighting somebody covering a designer and how they did their first show on London Fashion Week. Then, we will show the studio and photograph the ashtray full of cigarettes and Diet Coke cans on the floor and of course it’s always about showing what’s behind the scenes and the reality and the beauty of the reality behind glamour.
It reminds me of the magazine Fairy Tail, founded by the graphic design studio Vier5. They made pictures in back-stages during the Paris Fashion Week, which interested them more than showing a conventional image of fashion.
Yeah, same idea!
What do you think about the uniformity of fashion magazines?
This is something we’ve been talking about for months. I think in the media we think there are so many erratic moods that everybody’s trying to reach everybody at the same time. And I think it’s also because it is the easiest way to get advertisers and increase the readership numbers, which is the most important thing. So, you need your audience to be as big as possible. And I think this is why we’re lucky with 1 Granary as we’re still a small unit and we still occupy this very particular position within the industry. We can survive without them, we are more into sponsorships and small creative collaborations.
We have this freedom to really stick to what our message is and who our audiences are. This is definitely something that frustrates me sometimes when every single magazine shows exactly the same people. When Cardy B comes out with her new album everybody is talking about her or stranger things. It’s almost impossible to find an underground scene among all these numerous magazines.
What does a young designer need to know to succeed in the industry? What is the difference between someone who starts to be famous after school and someone who doesn’t?
I thought about this a lot because I talked to Master and Bachelor classes before, and I wondered what I could tell them as a journalist. And even though I don’t like this advice, I think that it’s all about having good connections, being likeable and having people like you. Sometimes it is more important than the current work you produce. And I think I will answer it. It may be much more a criticism than an advice. But the people who make it are usually the people who can work their connections in a very smart way. And it’s not necessarily people who produce the best work.
But if you can use this as a sign or understand this it’s not necessarily a bad thing. Yeah! it’s frustrating…
But making connections shouldn’t necessarily be a negative thing. You can try to cultivate an interest in people around you outside your own universe and always trying to find interest in other people.
Sure! So you are part of the jury of the fashion show, what would be important for you during the selection of the winner of the prize, what will determine your criterions?
I think what’s really important is a coherence and a consistency between concepts and the visual. So, it’s almost as if when you see the collection you already know what the story is. When they explain their collection there is a perfect coherence. That doesn’t mean the story should be obvious at all but what I’m saying is that I think a good collection is like a universe on its own. I can imagine the movie, these people are playing and then as soon as you hear the story you say yes that’s it! the movie I was thinking of even if I couldn’t express the emotion I got.
Is there a young designer whose work you particularly like currently?
Yes, it’s Gabriele Skucas! She’s a young designer from Central Saint Martins who is specialized in crochet. She makes everything from scratch. It’s more manually intensive than knitwear because it really comes from one track: keeping making knots until you have a garment. It’s a laborious work, for her it’s a form of meditation and reflection. Her work is about the ugliness and the complexity that every person carries inside what you can never really touch. And she says that it’s very difficult to be human. All I want is her clothes to comfort and to soothe it. And I think her clothes are so pure that they express this perfectly.
J’enseigne à la HEAD la théorie en Master Design Mode depuis l’année dernière. J’ai fait mes études à Londres qui s’inscrivent dans ce qu’on appelle les Fashion Studies. Ce n’est pas uniquement l’histoire de la mode, c’est aussi sa théorie. Cette discipline s’est construite essentiellement en Angleterre, aux États-Unis et arrive petit à petit ici. L’approche est pluridisciplinaire, on utilise des textes qui ne sont pas forcément issus de la mode.
Quel texte étudiez-vous en ce moment ?
Le cours prochain on travaillera sur un texte de Richard Sennett qui s’appelle Les tyrannies de l’intimité. On articule des textes autour de la mode pour la penser en lien avec des enjeux contemporains comme notre rapport à l’espace public, à l’action politique ou à la crise environnementale. C’est aussi penser notre rapport à la société et la responsabilité que l’on a en tant que designer.
C’est une manière d’éviter une forme de gratuité dans ce que peut produire un étudiant ?
Oui, c’est-à-dire que la théorie et la pratique ne sont plus si distinguées. L’idée est de les aider à structurer un concept de collection et à la penser dans son contexte. Dernièrement j’ai regardé le dernier documentaire sur Yves Saint Laurent qui avait été très longtemps interdit par Pierre Berger. On voit un monde qui a complètement disparu d’une certaine manière. Pourtant le discours autour de la création en tant que sacrifice justifié par le fait que ce soit un métier de passion est pourtant greffé sur la jeune génération de designer.,Ce sacrifice se retrouve ensuite dans le rapport au travail dans la mode, notamment dans le fait de ne pas payer, ou très peu, de travailler toute la nuit… L’enjeu de ce cours est déjà d’être conscient de ces discours et de la manière dont la mode a été construite par ses grands moments et ses grandes lignes. Aussi, de pouvoir s’approprier cette histoire pour créer de nouvelles ouvertures.
À partir du moment où on a une emprise sur la manière dont on dit ce que l’on fait il y a la possibilité de créer de nouvelles voix. On arrive aujourd’hui à imaginer à faire la mode différemment, pendant très longtemps je crois que c’était assez coincé.
Quel rôle as-tu dans votre enseignement en binôme, Léa Peckre ?
Avant quand j’étais responsable du département mode, je suivais tous les étudiants de Bachelor jusqu’au Master. Maintenant j’enseigne uniquement pour les Master, je coordonne des projets où j’invite des créateurs pour les premières années et je suis quelques mémoires d’étudiants.
Quel est ton implication vis-à-vis des étudiants dans le développement de leur collection ?
Ce qu’on est en train de mettre en place avec Aude, c’est un enseignement très individuel et ça dès le Bachelor, même si ça reste plus cadré car il y a des connaissances techniques à acquérir. On pense au cas par cas, aux individus et non à une vision générale de la mode. En Master on affine encore plus ce propos, on ajuste notre enseignement, tout ça part de constats qu’on a fait avec Aude dernièrement.
C’était quoi vos observations suite à cette première année d’enseignement commune ?
On sort tout juste d’une réunion à ce sujet. On a une complémentarité parfaite avec Aude, je ne suis pas du tout intéressée par l’aspect mémoire, je suis plus dans la pratique et le professionnalisme. Il y a un écart énorme sur la théorie de mode, la recherche et la réalité. Mon côté pragmatique me fait me dire que toute la théorie peut être parfois à côté, rêvée. Partager le Master avec Aude c’est aussi profiter de son expertise. Pour elle la théorie, dans un domaine où la pratique et le faire est aussi important, ne doit pas être cloisonnée. La pratique, la réalité professionnelle et la théorie sont liées. On a décidé de mutualiser notre cours et d’avancer ensemble, même si on se sépare à un moment l’une aura nourri l’autre et inversement. Ça permet aux étudiants de ne pas avoir deux formes d’exercice totalement séparées. La difficulté pour eux dans une dissociation totale c’est de réussir à faire le lien entre les deux.
Est-ce que vous avez l’impression que l’école peut uniformiser une espèce de courant dominant au sein des étudiants ? Le fait d’avoir un suivi très individuel avec chaque élève c’est une façon d’éviter cette uniformisation ?
C’est quelque chose qui existe, mais c’est pour moi autant un danger qu’une force. Ça implique un ADN d’école, une patte, je pars du principe que les écoles doivent être complémentaires entre elles. Si on est assez malin dans ce sens-là on va justement apporter quelque chose que notre voisin ne fait pas. Il y a un style de l’Académie d’Anvers, un style de la Cambre, la Central Saint Martins je ne t’en parle même pas.
Le fait de travailler de façon aussi individuelle à la HEAD fait que le style est peut-être moins perceptible.
Quand tu travailles dans une maison dans le milieu de la mode, tu viens piocher dans une école précise en connaissance de cause. Il y a des besoins très variables d’une maison à une autre, donc c’est en ça que pour moi ce n’est pas forcément un danger. Après il faut faire attention, davantage dans la pédagogie, à ne pas uniformiser ce que font les étudiants car ils ne découvriront pas les différents métiers possibles.
On leur fait croire qu’ils vont tous devenir stylistes alors qu’en fait c’est pas le cas, et c’est pas plus mal il y a beaucoup d’autres métiers dans la mode tout aussi intéressants.
Je te rejoins au niveau pédagogique, la force de la HEAD c’est de pouvoir offrir un soutien individuel, ce qui leur permet de trouver leur propre méthodologie de travail. C’est quelque chose qui, je pense, nous distingue dans ce choix pédagogique.
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